MBC: Los mejores 50 álbumes de 2018

Al tener actividades que limitan "el tiempo libre", es más complicado hacer un listado de fin de año que cumpla con mis necesidades personales. Qué si se me fue algo, qué si algo no va en el lugar correcto o que si ya mejor dejo todo por la paz. Al final aquí estoy una vez más para presentarles los 50 mejores álbumes de 2018 en este humilde espacio bautizado como My Blog Cliché. Cabe mencionar que los breves textos que acompañan los discos no son reseñas en realidad (ojalá pudiera hacer eso como en los viejos tiempos), son pequeñas descripciones con las que puedan sentirse identificados o tener la curiosidad de sumergirse en estos universos que viven de sus experiencias personales.

Sin más preámbulos, acá se los dejo camaradas:

50. Father Murphy – Rising: A Requiem for Father Murphy (Avant! Records)

Más que una banda, Father Murphy es un culto que opera de formas muy misteriosas y por asares del destino hasta terminaron colaborando con Jarboe. Sin embargo todo tiene un final y con este material no solo dejaron en evidencia sus dotes ritualisticos más experimentados, sino que fue el réquiem con el que decidieron cerrar un episodio muy importante que gira alrededor de su fascinación por lo occvlt.

49. Johnny Jewel – Digital Rain (Italians Do It Better)

Justo cuando pensaba que ahora sí tendríamos “Dear Tommy” de Chromatics, Johnny Jewel estuvo publicando un montón de piezas instrumentales que fueron concebidas mientras trabajaba en sus aportaciones para Twin Peaks. “Digital Rain” es el ensamble más estimulante que editó en los últimos 12 meses, ya que no solo nos sumerge en la elegancia que caracteriza a Italians Do It Better, sino que además parece que finalmente logró dominar la tensión ambiental que trataba de moldear en sus score para “Lost River” y “Home”.

48. Body/Head – The Switch (Matador Records)

Body/Head es producto de sesiones de improvisación entre Kim Gordon y Bill Nace. Las canciones no están pensadas para tener esa estructura, ya que conforme van jameando se va creando cada pieza para darle vida al asfixiante rompecabezas que se puede apreciar en su segundo LP, con el que de cierta manera le dieron una refrescada a los patrones experimentales que estuvieron recorriendo en su debut. “The Switch” es un ensamble de ruido manipulado con mucha cautela; es el reflejo de cómo se debe construir un apocalipsis que en lugar de infundir temor, nos haga sentir privilegiados de ser parte de él.

47. Soccer Mommy – Clean (Fat Possum Records)

Sophie Allison tiene esta genuina pasión por crear historias cortas, pero que se adapten a las experiencias personales de cualquier adolescente durante sus conflictos existenciales. La grandeza de “Clean” radica en su sencillez, ya que si bien Soccer Mommy no es un proyecto que esté reinventando o creando algo nuevo, su trabajo fue vital para no seguir amargándonos la vida con pensamientos negativos. Las canciones manejan un humor muy particular y la personalidad de Allison hace énfasis en la motivación que debemos tener para ser cool.

46. Gazelle Twin – Pastoral (Anti-Ghost Moon Ray)

“Pastoral” es el tipo de disco que te enfrenta a lo grotesco para encontrar algo bello en su interior. Si bien Gazelle Twin inició siendo un proyecto que tenía aspectos similares a los de Fever Ray, con el paso del tiempo fue moldeando una personalidad muy particular con la que ataca de forma directa todo tipo de estigmas sociales, tal y como lo hace en esta producción que podría ser una sesión de roast para el conservador moderno. Musicalmente su sonido ha pasado por un cambio radical donde es capaz de jugar con su voz para provocar una catarsis que en lugar de sacarnos de quicio, va desatando una fuerte adicción conforme pasan los minutos.

45. The Empire Line – Rave (Northern Electronics)

The Empire Line es un proyecto vital en esta era de la tropicalización digital. Es decir, en esos momentos donde somos dominados por nuestro celular (muchas veces hasta termina convirtiéndose en nuestro mejor amigo), es necesario que algo nos saque de la hipnosis por medio de sonidos que carcomen la piel al alimentarse de elementos como el techno y el noise. Aunque inicialmente este proyecto estaba compuesto por Varg y Christian Stadsgaard de Damien Dubrovnik, para “Rave” incorporaron la voz de Isak Hansen de Iron Sight para inyectarle altas dosis de tensión a los 6 envolventes temas que lo componen.

44. Steve Hauschildt - Dissolvi (Ghostly)

Una de las virtudes que tiene Steve Hauschildt, es que puedes imaginar el sonido por medio del arte visual que complementa sus lanzamientos. Cada aspecto que rodea sus composiciones va ligado de forma directa con lo visual para crear un efecto de espejo; uno donde podamos sentirnos como en casa al escuchar manipulaciones ambientales que van adquiriendo formas arquitectónicas por medio del minimalismo que las compone. “Dissolvi” es, me atrevería a decir, es el álbum mejor estructurado de su discografía, ya que no solo nos encontramos con sus típicos momentos de meditación, sino que además hay complementos vocales que exhiben su lado más encantador e inspirador.

43. Thou – Magus (Sacred Bones Records)

Thou es una de las bandas más activas que existen en la actualidad, ya que no tienden a conformarse con el lanzamiento de un álbum o un simple EP, sino que constantemente se involucran en proyectos que dan como resultado colaboraciones espectaculares con bandas como The Body. Gracias a eso su sonido se ha ido fortaleciendo de un modo donde su estilo de composición es mucho más sabio y centrado. Es por eso que el contenido político de “Magus” no se siente como un disco más de quejidos con preguntas sin respuestas, es un reailty check para las personas que viven en una apatía social con la que normalizan el abuso hacia la sociedad. En conclusión, podría decirse que es un torbellino de poder que va de lo épico a lo hermoso.

42. Skee Mask – Compro (Llian Tape)

Hay momentos donde distintas vertientes de música electrónica van cayendo en una monotonía donde no pasa gran cosa, tal es el caso del denominado dance y el house. Afortunadamente este año me encontré con “Compro” de Skee Mask y con ello pude acercarme un poquito más a los distintos discursos que están sucediendo dentro del género en su estado de reinvención. Esta producción es la prueba más factible de que la electrónica que suena en los clubs también puede tener alma y espíritu; uno donde no vayamos directo a la perdición, sino que además sea capaz de mostrarnos un mundo nuevo con su mar de emociones.

41. CTM – Red Dragon (Posh Isolation)

Cæcilie Trier es una multiinstrumentista bastante avanzada que en el último año encontró refugio en Posh Isolation, razón por la que terminó conociendo a Asger Hartvig de Boli Group para ponerse a trabajar en este material que reinterpreta géneros como el pop y el R&B para demostrar que ambos géneros no están peleados con la música experimental. Qué cuando se hacen las cosas por convicción se puede crear un producto único y capaz de expandir nuestro pensamiento. CTM es una entidad que se preocupa mucho por los espacios que hay en sus composiciones, por lo que en “Red Dragon” hasta podemos encontrara portaciones de Soho Rezanejad, Frederikke Hoffmeier y Coco O.

40. Anna Von Hausswolff – Dead Magic (City Slang)

Cualquier persona puede decir que ama la magia o que se siente atraída hacia ella, pero no todos son capaces de indagar en los mitos que hay en su interior. Lo fascinante, lo oscuro, lo misterioso y hasta lo diabólico que nos remonta a sus prácticas convencionales, son algunas de las cosas que son diseccionadas por Anna Von Hausswolff en esta producción que cumple con la labor de ser ese cántico capaz de abrir un portal que altere la realidad como si se tratara de un sueño donde el aroma de un incendio se perciba con naturaleza. 

39. SOPHIE - OIL OF EVERY PEARL’s UN-INSIDES (Future Classic)

SOPHIE fundó PC Music con la misión de celebrar la diversidad sexual e incitar a las personas a liberarse de sus complejos para unirse a su fiesta. Su sonido siempre ha manejado una personalidad muy extrovertida, pero con su LP debut optó por suavizar un poco las cosas para demostrar que su discurso va más allá de una simple fiesta, que este mundo plástico y superficial necesita valorar más el lado humano de las personas. El álbum es una colección de canciones estrictamente pop que puede ser llevada como estandarte para exigir respeto, ya que hoy más que nunca la existencia de discos como “OIL OF EVERY PEARL’s UN-INSIDES” es fundamental en nuestra sociedad.

38. Gabe Gurnsey – Physical (Phantasy Sound)

“Physical” es el soundtrack de una noche de fiesta. Podrá sonar muy ambiguo, pero la realidad es que Gabe Gurnsey construyó este material al plantearse la idea de cómo es la vida de una persona que se la pasa de fiesta una o dos veces por semana. Esa ambigüedad es la que hace que sus canciones sean adictivas, que su combinación de techno, post-punk e italo disco funcione a la perfección sin generar hartazgo. Al ser una de las partes de Factory Floor, no me sorprende que la producción del álbum sea impecable.

37. Wetware – Automatic Drawing (Dais Records)

Wetware es una pesadilla industrial que no te da todo de golpe. Sus experimentos te van llevando por un oasis de incertidumbre que en un abrir y cerrar de ojos ya te tiene sometido contra la pared. De acuerdo con Drew McDowall (Coil), el dúo tiene uno de los mejores montajes escénicos que hay en la actualidad y con “Automatic Drawing” no solo vinieron a elevar la expectación por sus shows en vivo, también se imponen con un discurso súper confrontador dentro de un género que tiende a ser muy competitivo. En lo personal, estoy seguro de que su debut se convertirá en un clásico del DIY contemporáneo.

36. Spiritualized – And Nothing Hurt (Fat Possum)

Jason Pierce no le ve ningún tipo de sentido a una reunión de Spacemen 3 y aunque hace dos años insinuó que el próximo LP de Spiritualized sería el último, en “And Nothing Hurt” da la impresión de que aún tiene muchas historias que contar con esta entidad que desde su nacimiento se ha encargado de darnos un viaje por el espacio. Desafortunadamente la narrativa del álbum viene a reafirmar que, probablemente, estamos siendo testigos de la despedida de Spiritualized al traer de vuelta al astronauta que nos ha acompañado en este viaje durante más de 2 décadas. Es una retrospectiva donde Pierce afronta sus temores en una bonita sesión de madurez y aprendizaje.

35. Aîsha Devi – DNA Feelings (Houndstooth)

¿Alguna vez se han imaginado el cántico de una sirena? Bueno, puede que sus tonos agudos sean similares a los que se desprenden del cuerpo de Aïsha Devi. Su trabajo no solo puede ser catalogado como experimental, ya que con sus discos se basan en ideales ritualisticos y espirituales que deben ser tratados con respeto, ya que si los toman a la ligera y se pierden en ellos pueden sentir como si se los estuviera tragando la marea. “DNA Feelings” es una conversación entre la tecnología y el pensamiento humano para estimular los mantras y así encontrar la sanación espiritual.

34. Essaie Pas – New Path (DFA Records)

Aunque la estética noir de su álbum debut fue reemplazada por un estilo minimalista, Essaie Pas mantuvo una narrativa bastante compleja a lo largo de “New Path”, ya que además de cumplir con la labor de ser uno de los mejores ensambles electrónicos del año por medio de sonidos que parecen ser emitidos desde el interior de una nave espacial, se mantiene fiel a la temática de “A Scanner Darkly” de Philip K. Dick al confrontar a la muerte y las adicciones. Quizá, por esa razón, el álbum llega a tener momentos donde la catarsis que provoca la vida real termina siendo el protagonista principal.

33. Cienfuegos – Autogolpe (L.I.E.S Records)

Alex Suarez es la mente detrás de Cienfuegos y con cada lanzamiento en Ascetic House y BANK Records se encargó de construir un imperio dominado por el noise y sus raíces latinas. A veces el spanglish le sienta bien a sus canciones, por lo que en su debut para L.I.E.S Records preparó canciones que hacen referencia a las dictaduras que se forman en distintos países de América Latina. “Autogolpe” es un retrato crudo y oscuro de la opresión social que necesita ser vista por el mundo entero, sin excepciones.

32. Miss Red – K.O. (Pressure)

El dancehall tiene una historia un tanto compleja que desafortunadamente en años recientes ha sido deformada por la mediocridad de proyectos como Major Lazer. A partir de ese escenario se fue dibujando el contenido de “K.O” que, como su nombre lo dice, hace alusión a una pelea entre Miss Red (Sharon Stern) y la mediocridad musical, en donde con apoyo de The Bug en la producción, logra salir triunfante de ella por medio de versos que no se andan con pequeñeces. Es un disco rápido, directo y que cumple a la perfección con su misión.

31. The Field – Infinite Moment (Kompakt)

Considerando el estado en el que se encuentra su carrera, ya no es ninguna sorpresa que The Field aparezca en un listado de lo mejor del año. El tipo es un experto en la manipulación electrónica y en este momento su prioridad no se enfoca en crear himnos para la pista de baile, en lugar de eso se enfoca en construir piezas que se alimentan de la melancolía para convertirse en monumentos de puro epicness. Para muestra, solo deben dejarse llevar por las 6 imponentes canciones que componen “Infinite Moment”.

30. Deafheaven – Ordinary Corrupt Human Love (ANTI-)

Pueden amar u odiar a Deafheaven, pero debe de reconocerse que su sonido ha pasado por una transición musical donde su visión de la muerte es proyectada de un modo muy hermoso. Sus reminiscencias de black metal, shoegaze y post-rock siguen presentes en “Ordinary Corrupt Human Love”, pero al mismo tiempo la banda quiso hacer algo más para demostrar que son capaces de salir de su zona de confort y entregarnos canciones que provoquen un suspiro a la medianoche. Y qué mejor manera para hacerlo, que incorporando a Chelsea Wolfe en el centro del álbum.

29. Kelly Moran – Ultraviolet (Warp Records)

Kelly Moran es el tipo de artista que reconstruye la estructura de una melodía basada en música clásica por medio de sintetizadores análogos. "Ultraviolet" llegó en medio de su participación en el ensamble "MYRIAD" de Oneohtrix Point Never y por ende tiene aspectos que lo separan por completo de las composiciones que publicó con anterioridad, ya que sus impulsos artísticos dominados por el piano se ven complementados por ambientaciones de en sueño y una calidez vocal que nos hace sentir parte de una aventura de ciencia ficción.

28. Helena Hauff – Qualm (Ninja Tune)

Recuerdo que en alguna ocasión Travis Egedy mencionó que la electrónica era el nuevo punk, y al escuchar productoras como Helena Hauff queda comprobado que la tecnología está contribuyendo a la reinvención del género por medio de la actitud. Las guitarras no importan, lo que importan son los ideales y la motivación que hay detrás de un producto para transmitir un mensaje firme y contestatario, es por eso que Helena logra brillar sin complicaciones en su segundo LP; uno que al final del día termina siendo un sólido recorrido a través del techno, EBM y coldwave.

27. GAS – Rausch (Kompakt)

Wolfgang Voigt reactivó GAS con su cautivante "Narkopop" del año pasado y para continuar estimulando su pensamiento, se encargó de diseñar una de las adiciones más hermosas de su catálogo con el nombre de "Rausch", con el que no solo reafirma que es uno de los maestros más experimentados de la música ambiental, sino que maneja un temple artístico con el que sigue buscando la manera de manipular nuestras emociones en una estricta sesión de meditación.

26. Linekraft - Engineering Analysis of Inner Death (Hospital Productions)

Linekraft es un homenaje a la cultura del noise nipón que desde tiempos remotos ha sido tomado como punto de partida dentro del género y sus vertientes, llámese harsh noise o power electronics. Este material es editado por Hospital Productions, un sello que recientemente comenzó a incorporar releases un poco más enfocados al ambient y el techno, solo que con "Engineering Analysis of Inner Death" regresaron a sus raíces con un performance sumamente devastador que de principio a fin se siente como si estuviéramos siendo deborados por una trituradora de carne en el fondo de una fábrica abandonada.

25. Amen Dunes – Freedom (Sacred Bones Records)

Damon McMahon desapareció durante un par de años para encontrar la estabilidad suficiente que lo ayudara a componer una canción. Ni siquiera estamos hablando de un disco completo, sino que quiso empezar desde cero para eventualmente entregar un álbum que sirviera como su autobiografía. Hablar en segunda y tercera persona durante la narrativa de un disco puede ser un tanto contraproducente, pero Amen Dunes lo hace de una forma tan intima y personal, que nos termina haciendo participes de su historia.

24. Demdike Stare – Passion (Modern Love)

Si con Helena Hauff hablé de sus reminiscencias punk, con Demdike Stare se puede hacer lo mismo pero con un trasfondo social más confrontador y que con el lanzamiento de "Passion" generó algunas discusiones un tanto complicadas por las imágenes que son proyectadas en sus presentaciones. Sin embargo, el dúo nos muestra todo eso que nos incomoda para bajarnos de nuestra realidad alterna y enfocarnos en las cosas podridas que se siguen presentando alrededor del mundo como el racismo, la esclavitud y los estigmas que hay en la diversidad de género.

23. Ron Morelli – Disappearer (Hospital Productions)

Ron Morelli estuvo dos años ausente de su imprenta natal y con "Disappearer" no solo diversificó su universo, sino que además volvió con una maldad un tanto peculiar, ya que si bien en el pasado ya incorporaba elementos de noise y un poco de techno en su forma más devastadora, en esta ocasión le dio un lugar muy especial a sus desgarradoras vocales para sumergirnos en una sesión de exorcismo que deja sin aliento y al borde de un paro cardíaco por la tensión que se vive de principio a fin.

22. Varg – Crush (Posh Isolation)

A veces da la impresión de que Varg tiene varias personalidades con las que un día está jugando con el hip hop y el R&B, y al siguiente se refugia en la densidad del noise y el techno. En la parte final de sus Nordic Flora Series, el productor juntó esos 4 elementos para narrarnos una historia de amor que tiene lugar en nuestra era digital. El uso de las redes sociales, crushes imposibles, Tinder y la manera en la que todo eso afecta al autoestima de una persona, es abordado con una sutileza abrazable que además es complementada por Vanity Productions, AnnaMelina, Morning Star y Chloe.

21. Beach House – 7 (Sub Pop)

Los discos de Beach House no son más que sueños. Es la ilusión que se dibuja en nuestra mente al cerrar los ojos y que desata un sinfín de emociones al despertar. El dúo moldeó su propia personalidad con un sonido basado en el dreampop pero… después de 7 discos, podemos decir que Beach House en realidad es un género y en esta producción se refugiaron en un entorno monocromático donde sus tonalidades de ensueño fueron reemplazadas por un sonido cristalino y, por momentos, hasta oscuro. Este álbum te da la opción de qué camino seguir en tú próximo sueño. Sea cual sea el lugar al que lleguen, siempre se encontrarán con algo que le dé confort a su corazón.

20. Ancient Methods – The Jericho Records (Ancient Methods)

Aunque resulte difícil de creer, Ancient Methods no había lanzado un disco completo y solo se la había pasado editando EP o sencillos esporádicos que en ocasiones se iban perdiendo en el tiempo. En “The Jericho Records” no solo mostró una notable madurez en su técnica para producir un techno sumamente sucio y oscuro, sino que la intensidad que proyecta por medio del beat deja a su paso una elegancia que se apodera de nuestro entorno. Tiene un sonido envolvente, uno que además presenta momentos que jamás me llegué a imaginar, como las estelares contribuciones de Prurient, King Dude, Regis, Orphx y Cindytalk.

19. U.S. Girls – In A Poem Unlimited (4AD)

Es muy emocionante ver cómo las artistas que empezaron haciendo música con una tendencia avant-garde han ido progresando de forma brillante en lapsos relativamente cortos, tal es el caso de Meg Remy, quien con su U.S. Girls ha ido limpiando la atmósfera de sus discos para enfocarse en hacer clásicos modernos que toman la nostalgia retro del pop para combinarla con elementos frescos que fortalecen su autenticidad. Pero no solo eso, la parte importante de esta producción no se centra únicamente en los excelentes arreglos que tiene, sino en la temática de sus letras; una donde le da voz a los problemas por los que pasa una mujer y que lamentablemente la sociedad se ha encargado de normalizar.

18. Death In June - ESSENCE! (New English Recordings)

La verdad no esperaba que Death In June publicara un nuevo álbum, pero después de 8 años aquí está "ESSENCE!" con una estética que trae de vuelta el sonido que manejaba en discos como "But, What Ends When The Symbols Shatter?" y "The Wall Of Sacrifice". Es un disco hermoso con el que Douglas P. reclama lo que le pertenece, ya que parece que los años no han pasado en vano por él; sus cuerdas vocales están intactas y sus conocimientos hicieron posible el nacimiento de una producción donde el proyecto se siente más vivo que nunca.

17. Laurel Halo - Raw Silk Uncut Wood (Latency)

A veces quisiera que Laurel Halo utilizara más su voz o que se clavara de lleno en su fascinación por el synth-pop, pero si algo ha demostrado en los últimos 4 años, es que su maestría experimental va más allá de una canción pop y que así como puede jugar con el house y el techno, también es capaz de crear escapes sonoros que sirvan como soundtrack de una de nuestras peores pesadillas. Este álbum es el más linear y ambicioso de su carrera hasta el momento, ya que es un delicioso oasis de piezas ambientales que se nutren de contribuciones de músicos como Eli Keszler.

16. Mitski – Be The Cowboy (Dead Oceans)

“Be The Cowboy” es como "The Pursuit Of Happiness", ya que al inicio va luchando e intentando estabilizar su vida por medio de distintas misiones que pueden ayudarla a ser feliz, y para cuando logra hacerlo se da cuenta que está demasiado cansada para disfrutarlo. Es un álbum bastante dinámico donde hasta trata de alentarnos cuando estamos pasando por una ruptura amorosa al decir que podemos bailar solos, sin la necesidad de alguien más, y cuando podamos ser felices de forma individual podemos ir en busca de la felicidad. En el mundo de Mitski se puede interpretar como un logro personal donde después de 5 discos finalmente encontró el balance creativo que buscaba.

15. Amnesia Scanner – Another Life (PAN)

Pueden encontrar distintos tipos de placer escuchando a Amnesia Scanner. El dúo hace música para despreocuparse, solo que en lugar de enfocarse en hacer canciones genéricas para bailar, tienden a deformar la estructura pop como si se tratara de los mejores trolls del internet. Si bien en su debut es evidente que están buscando su propia voz, son canciones que aumentan su intensidad de acuerdo a la emoción que se desarrolla en su inconsciente. Pueden dejarse llevar por un ensordecedor “ahhhhh” o las hiperactivas cuerdas vocales de Pan Daijing, quien por un momento sale de su claustrofobia para dejarse ir en dos de los momentos más sólidos del álbum. “Another Life” es un profundo manifiesto que debería ser estudiado por los millenials y la generación Z.

14. Grouper – Grid Of Points (Kranky)

Liz Harris tiene la habilidad de hacernos suspirar sin decir una palabra tan audible. En ocasiones son murmuros, susurros o solo una delicada ambientación conducida por notas de piano. El encanto de Grouper radica en la fragilidad emocional con la que están compuestas sus canciones, es por eso que “Grid Of Points” se asemeja a ese lugar al que vamos a refugiarnos cuando estamos pasando por un mal momento. Quizá ni siquiera vamos en la búsqueda de respuestas, pero si a cerrar los ojos para ver lo que sucede en nuestro interior.

13. Low – Double Negative (Sub Pop)

Dos décadas de carrera fueron canalizadas en un álbum que funciona como respuesta a los discursos de Donald Trump. Se tardaron dos años en hacerlo, pero al final “Double Negative” es un ejercicio que aborda varias audiencias por la ambición que tuvieron para jugar colectivamente con los géneros que han conquistado desde su nacimiento. Low está reafirmando la idea de que la política y el arte no deben de estar peleados, o mostrar indiferencia entre sr, y que si se debe criticar algo se debe de hacer con inteligencia.

12. Jon Hopkins – Singularity (Domino)

Jon Hopkins no hizo un disco para bailar, e incluso no me atrevería a decir que su música está diseñada solo para eso. Tanto en “Immunity” como en “Singularity”, el productor está haciendo exploraciones universales donde trata de expandir nuestro pensamiento e incitarnos a ver más allá de lo que tenemos enfrente. Es el reto de descubrir mundos nuevos, a creer en lo imposible y sacudir nuestro cuerpo con los frenéticos segmentos que nos reciben en esta producción que marca un parte aguas en su carrera, sobretodo después de haber trabajado con artistas que van desde el gran Brian Eno, hasta… err, Coldplay. En “Singularity” son evidentes las cosas que aprendió durante sus sesiones de trabajo con estos artistas, y las misiones que se puso para hacer algo diferente.

11. Them Are Us Too – Amends (Dais Records)

“Amends” es una carta de despedida; es el retrato más puro y honesto del amor. Con este material se cierra un episodio en la vida de Kennedy Ashlyn, quien decidió tomar las maquetas que estaba puliendo con Cash Askew antes de su muerte para darles un lanzamiento digno; uno con el que Cash pudiera sentirse orgulloso desde donde quiera que se encuentre, ya que “Amends” no fue pulido únicamente por Kennedy, sino también por familiares y amigos que decidieron contribuir con una parte de sus conocimientos y con ello construir esta hermosa elegìa con la que Them Are Us Too llegó a su fin.

10. The Soft Moon – Criminal (Sacred Bones Records)

Luis Vasquez pasó de ahogarse en su propia miseria a expulsarla de su cuerpo para compartirnos las experiencias que lo hicieron lidiar con la depresión. Desde la muerte y el abandono de un padre, hasta las etapas donde tenemos un reality check de la humanidad, esas son tan solo algunas de las temáticas que aborda en “Criminal” desde un ángulo completamente crudo. Uno de los elementos más notables es que su voz aparece al centro de las canciones en su estado natural, cosa que en “Deeper” aún le costaba un poco de trabajo por buscar el equilibrio donde pudiera seguir recorriendo las sombras al darle una mayor prioridad a sus impulsos industriales.

09. Tim Hecker – Konoyo (Kranky)

La vulnerabilidad musical de Tim Hecker llegó al siguiente nivel cuando se encontraba de visita en Tokyo, donde se juntó con músicos locales para hacer un ensamble que que gira en torno a la improvisación con instrumentos de viento y cuerdas. Digamos que "Konoyo" está compuesto con una estructura similar a la de los sonidos locales, solo que los fue adaptando a su personalidad por medio de drones y la manipulación de coros que actualmente se pueden contemplar en su montaje escénico con el The Konoyo Ensemble. De cierta manera se puede decir que este es el álbum más arriesgado y mejor logrado de su discografia, aunque es natural que puede ser un tanto difícil de asegurar considerando que tiene un catálogo demasiado consistente.

08. Julia Holter – Aviary (Domino Records)

2018 fue un año donde muchos artistas decidieron expandir sus horizontes para crear un producto que los reta a sí mismos. Su preocupación no estaba enfocada en complacer a un fan, sino en su idea de crecer por medio de la disección de su persona. Por ejemplo, los discos de Julia Holter solían ser historias de fantasia donde podíamos imaginarnos recorriendo su universo en una tarde soleada, pero con "Aviary" optó por transformar esas historias en pinturas que nos incitan a verlas fijamente y descubrir su belleza hasta en los detalles más pequeños. A lo largo de sus 90 minutos de duración, Julia Holter aborda su pasado experimental con una sutileza que inevitablemente se queda guardada en el corazón.

07. Oneohtrix Point Never - Age Of (Warp Records)

Daniel Lopatin está jugando a ser un lider del universo (por no decir Dios) al reinterpretar las cosas que a veces pareciera que ya no tienen más carne. Desde que empezó a trabajar en Games su misión era muy clara: crear una sensación de incomodidad con la que al mismo tiempo pudiéramos apreciar las complejidades de la tecnologia. "Age Of" es su disco pop; es la colección musical más accesible que ha moldeado hasta el momento y donde se jacta de deformar los ideales contemporáneos de las corporaciones que constantemente están creando productos plásticos para la televisión. Pero no crean que Oneohtrix Point Never fue solo Lopatin y sus clásicos aparatos, ya que en esta ocasión se acercó a James Blake, Anohni, Prurient, Kelsey Lu y Eli Keszler, para nutrir esta producción que dio pie al nacimiento de "MYRIAD".

06. Marie Davidson – Working Class Woman (Ninja Tune)

¿Se consideran workaholics? ¿A veces creen que su vida perdió sentido por enfocarse de lleno en el trabajo? Pues Marie Davidson quiere que recuperen el amor propio y antes de entregarse a los deseos de una empresa, primero comiencen por darse a respetar, recuperar su vida y darse el derecho de disfrutarla a su manera. Si, quizá a veces debemos ser exclavos para sobrevivir, pero en "Working Class Woman" no solo nos encontramos con este discurso universal, sino también uno donde el poderio femenino se manifiesta con un parcular sentido del humor basado en el consumismo; uno que Marie ha utilizado de maravilla desde sus primeros lanzamientos al incorporar sesiones de spokenworld. Además en este álbum se salió un poco del minimalisto de "Adieux Au Dancefloor" para probar una fórmula más apegada a los clubs (no por algo terminó en Ninja Tune).

05. Against All Logic – 2012 – 2017 (Other People)

Nicolas Jaar tenía pensado sacar un álbum ambiental e incluso hasta dio un show donde presentó algunas de sus piezas. Al final quién sabe qué pasó con eso porque no le dio seguimiento y en lugar de publicarlo, decidió desempolvar su viejo alias de Against All Logic para darle salida a las canciones que estuvo produciendo entre 2012 y 2017 (como lo sugiere el nombre del disco, doh!). Cada canción es un mundo donde los sampleos de clásicos del soul le inyectan altas dosis de elegancia al encanto natural del productor.

04. Iceage – Beyondless (Matador Records)

Los años no pasan en vano por Iceage. Su música está madurando al igual que ellos mismos de forma individual y aunque pensé que el trabajo de Elias con Marching Church tendría un impacto directo en el estilo de la banda, al final solo tuvo un impacto en la confianza que ha adquirido al momento de subirse al escenario. Es por eso que las canciones de "Beyondless" se sienten muy ricas tanto en su formato de estudio, como en directo, ya que al haber incorporado violines, secciones ritmicas que cambian de un momento a otro y una contribución especial de Sky Ferreia, es evidente que Iceage no es una banda del montón; ellos son algo realmente especial.

03. Uniform – The Long Walk (Sacred Bones Records)

Michael Berdan y Ben Greenberg fundaron Uniform como una fuente de escape dominada por el noise y los circuitos industriales que son proyectados por medio de los riffs de guitarra; sin embargo, en esta producción pasaron a ser un trío con Greg Fox de Liturgy en la máquina de percusión, con lo que su sonido se hizo doblemente brutal y despiadado. Muchas veces hay bandas que siguen un patrón encordecedor que con el paso de los minutos se torna repetitivo, pero en el caso de Uniform hablamos de un devastación controlada que carcome la piel.

2. Yves Tumor – Safe In The Hands Of Love (Warp Records)

¿Quién iba a pensar que Yves Tumor era capaz de hacer pop? Es más, ¿Quién iba a pensar que Yves Tumor podía cantar? Sus grabaciones anteriores eran dominadas por segmentos ambientales y tonalidades que brindaban una experiencia que nos hacía levitar sin movernos de nuestro lugar, pero con "Safe In The Hands Of Love" decidió ir al limite de sus posibilidades al jugar con el pop, el noise y su pasado experimental. Es un material que te lleva de un mood a otro por medio de sus colaboraciones que aunque en ocasiones son muy diferentes entre sí, embonan sin complicaciones en el concepto del álbum, comenzando por Croatian Amor, Puce Mary y James K.

01. Puce Mary – The Drought (PAN)

Frederikke Hoffmeier cita a Charles Baudelaire y Jean Genet como los pilares literarios que la ayudaron a componer su primer lanzamiento para PAN. En esta ocasión sigue examinando las complejidades humadas y las realidades alternas que se esconden en el subconsciente. Aunque se ha caracterizado por ser uno de los mejores exponentes del noise contemporaneo, en "The Drought" su personalidad se ve encapsulada en segmentos donde la meditación por medio de drones tiene un papel muy importante.

Entre mecanismos industriales, pensamientos que oscurecen el alma en un proceso de sanación y la ambiguedad de vivir en un mundo que se desmorona a cada segundo sin vuelta atrás, la claustrofobia de Puce Mary es proyectada con una personalidad más centrada y análitica. La autoexploración corporal que era narrada con anterioridad, esta vez se enfoca en el descubrimiento de su voz al crear el soundtrack perfecto para musicalizar el apocalipsis de la humanidad; uno que está dando sus primeros pasos.